À partir d’une photographie familiale, Charline Motel explore la mémoire migrante, la nostalgie partagée et les rituels du voyage.

A painting drawn from a family photograph, Charline Motel explores immigrant arrival, shared nostalgia, and the everyday rituals of travel and belonging.

Cette peinture à l’huile de 30 × 40 pouces a été réalisée en réponse à un projet invitant les artistes à s’inspirer d’une œuvre de la collection permanente du Musée des beaux-arts de Montréal. J’ai choisi Simeon the God Receiver de Kehinde Wiley, attirée par la manière dont il inscrit des corps contemporains dans des cadres décoratifs chargés d’histoire.

Dans cet autoportrait, ma figure repose sur un tapis arménien, un objet porteur de mémoire culturelle, de rituels domestiques et de transmission familiale. Le corps semble se fondre dans les motifs du tapis, brouillant la frontière entre la figure et le fond. Cette dissolution évoque à la fois l’appartenance et l’effacement, une tension discrète entre le fait d’être portée par un héritage et celui d’y être absorbée.

L’œuvre s’inscrit dans ma recherche continue autour des archives familiales, de la diaspora et des façons dont l’identité se construit à travers des espaces et des objets hérités. En intégrant mon propre corps au tapis, la peinture devient une méditation sur la visibilité, la mémoire culturelle et la ligne fragile entre l’individu et l’histoire collective.

This 30 × 40 inch oil painting was created in response to a prompt inviting artists to engage with a work from the Montreal Museum of Fine Arts’ permanent collection. I chose Simeon the God Receiver by Kehinde Wiley, drawn to the way Wiley situates contemporary bodies within ornate, historically loaded decorative frameworks.

In this self-portrait, my figure rests on an Armenian carpet, a surface that carries cultural memory, domestic ritual, and lineage. The body appears to melt into the carpet’s patterns, blurring the boundary between figure and ground. This dissolution suggests both belonging and erasure, a quiet tension between being held by heritage and being absorbed by it.

The work reflects my ongoing interest in family archives, diaspora, and the ways identity is shaped through inherited spaces and objects. By embedding my own body within the carpet, the painting becomes a meditation on visibility, cultural memory, and the fragile line between selfhood and collective history.

Beneath the Surface: Psychological Portraits in Domestic Space transforms old family photographs into large-scale paintings that explore unease within the familiar. One of the central images is based on a 1970s photograph of my mother sitting alone beside a deserted motel pool. At first glance, the scene feels calm and still, yet beneath that stillness is something exposed and suspended. That tension lies at the heart of the work.

Beneath the Surface: Psychological Portraits in Domestic Space transforms old family photographs into large-scale paintings that explore unease within the familiar. One of the central images is based on a 1970s photograph of my mother sitting alone beside a deserted motel pool. At first glance, the scene feels calm and still, yet beneath that stillness is something exposed and suspended. That tension lies at the heart of the work.

Sous la surface : portraits psychologiques dans l'espace domestique transforme de vieilles photos de famille en peintures grand format qui explorent le malaise au sein du familier. L'une des images centrales est basée sur une photo de ma mère prise dans les années 1970, assise seule au bord de la piscine déserte d'un motel. À première vue, la scène semble calme et immobile, mais sous cette tranquillité se cache quelque chose d'exposé et de suspendu. Cette tension est au cœur de l'œuvre.

Créé pendant ma résidence estivale de 2025 à la galerie VAV à Montréal, ce projet m'a permis de travailler sur plusieurs grandes peintures à la fois, de dessiner directement sur les murs et de tester comment les œuvres pouvaient cohabiter dans l'espace. Inspiré par des artistes tels que David Hockney, Edward Hopper et Sergei Parajanov, j'explore comment des moments calmes et ordinaires peuvent révéler une profondeur psychologique cachée.

Échouer vers l’éclat (16" x 20", huile, 2025) est une exploration profondément personnelle du deuil, de l’héritage et du processus artistique. Inspirée par L’Artiste et sa mère d’Arshile Gorky, cette œuvre réfléchit à la tension entre intention et résultat, et à la manière dont les « échecs » répétés peuvent malgré tout avoir du sens. Le portrait de ma mère disparue a été construit, effacé et refait à plusieurs reprises, devenant à la fois une peinture et un témoignage de lutte. Découvrez mon article de blog décrivant le processus ici pour un regard plus approfondi sur l’évolution de cette pièce.

Failing Towards Brilliance (16" x 20", oil, 2025) is a deeply personal exploration of grief, heritage, and artistic process. Inspired by Arshile Gorky’s The Artist and His Mother, this work reflects on the tension between intention and outcome, and how repeated “failures” can still hold meaning. The portrait of my late mother was built, erased, and remade multiple times, becoming both a painting and a record of struggle. It questions whether the act of reworking can be a form of honoring. See my blog post describing the process here for a deeper look at the evolution of this piece.

Cette peinture est basée sur une vieille photo de ma mère et de son frère lorsqu'ils étaient enfants. Probablement prise par l'un de leurs parents, la photo est lumineuse et floue, comme un souvenir. En la peignant, j'ai voulu comprendre qui était ma mère avant de la connaître. En tant qu'enfant, ma vision d'elle est façonnée par ce rôle. Mais à travers cette image, j'entrevois une autre facette - joyeuse, enjouée, entière. Cette œuvre fait partie d'une série de deux pièces qui explore la façon dont les photos de famille peuvent révéler des éléments d'une personne qui sont généralement cachés à la génération suivante.

This painting is based on an old photo of my mother and her brother as children. Likely taken by one of their parents, the photo is bright and blurry, like a memory. In painting it, I wanted to understand who my mother was before I knew her. As her child, my view of her is shaped by that role. But through this image, I glimpse another side—joyful, playful, whole. This work is part of a two-piece series that explores how family photos can reveal pieces of a person that are usually hidden from the next generation.

Balthus est une peinture à l'huile de 36 x 48 pouces qui répond aux œuvres controversées de l'artiste Balthus. Ses portraits d'une jeune fille nommée Thérèse ont suscité des questions sur la dynamique du pouvoir dans l'art. Dans cette œuvre, je me place dans l'une de ses poses, mais avec des changements importants. Mon regard est direct, ce qui élimine la passivité de l'original. Ma fille se tient derrière moi, regardant par la fenêtre - curieuse, mais toujours sous ma protection. Un troisième personnage, un homme nu, saute d'un tableau accroché au mur. Ce changement de regard et de sujet perturbe le récit traditionnel et récupère le pouvoir.

Balthus is a 36 x 48-inch oil painting that responds to the controversial works of the artist Balthus. His portraits of a young girl named Thérèse sparked questions about the power dynamics in art. In this piece, I place myself in one of her poses, but with key changes. My gaze is direct, removing the passivity of the original. My daughter stands behind me, looking out the window—curious, yet still under my protection. A third figure, a male nude, leaps from a painting on the wall. This shift in gaze and subject disrupts the traditional narrative and reclaims the power.

Cette peinture à l'huile de 20 x 20 pouces capture un tendre échange entre ma fille et sa grand-mère. Basée sur un moment éphémère et quotidien, l'œuvre adopte un style plus lâche et plus expressif qui reflète la chaleur et l'intimité de la famille. Les bords doux, la lumière changeante et les couleurs floues invitent le spectateur à ressentir plutôt qu'à voir - à se souvenir à travers l'émotion. En peignant l'ordinaire, je le transforme en quelque chose de sacré. Cette œuvre explore la mémoire, la présence et le fil invisible qui relie les générations. Lorsque la mémoire s'estompe, l'art retient ce que nous ne pouvons pas toujours dire : l'amour, la perte et tout ce qui persiste entre les deux.

This 20 x 20-inch oil painting captures a tender exchange between my daughter and her grandmother. Based on a fleeting, everyday moment, the work embraces a looser, more expressive style that reflects the warmth and intimacy of family. Soft edges, shifting light, and blurred color invite the viewer to feel rather than see — to remember through emotion. In painting the ordinary, I elevate it into something sacred. This piece explores memory, presence, and the invisible thread connecting generations. When memory fades, art holds what we can’t always say: love, loss, and everything that lingers in between.

BETWEEN THEN AND NOW (30 x 40 », huile sur toile) est basée sur une photographie candide de mes parents datant des années 1970. Cette œuvre, qui fait partie de ma série Family Archiving, explore la façon dont la mémoire, le deuil et l'identité culturelle évoluent avec le temps. Des objets symboliques comme une cafetière, des tasses et des cigarettes deviennent des points d'ancrage de l'amour et de la perte. Grâce à des changements intentionnels de couleur et de composition, je réimagine l'histoire personnelle pour poser la question suivante : qu'est-ce que la vérité dans la mémoire familiale et est-ce que cela a de l'importance ? En tant qu'Arménienne diasporique, cette peinture est un geste de préservation et un pont entre la mémoire héritée et l'avenir.

BETWEEN THEN AND NOW (30 x 40", oil on canvas) is based on a candid 1970s photograph of my parents. Part of my Family Archiving series, this work explores how memory, grief, and cultural identity evolve over time. Symbolic objects like a coffee pot, cups, and cigarettes become anchors of love and loss. Through intentional shifts in color and composition, I reimagine personal history to ask: What is truth in family memory—and does it matter? As a diasporic Armenian, this painting is a gesture of preservation and a bridge between inherited memory and the future.

Dans Ancrés dans le temps, deux frères sont assis dans un salon arménien typique de la diaspora. Un tapis richement orné occupe une grande partie de la toile, symbole de mémoire culturelle et de continuité. Le masque jetable tenu par l’un des frères ancre discrètement la scène dans un moment précis de l’histoire : la pandémie de COVID-19. Cette peinture à l’huile (36 x 48 po), qui fait partie de la série archive familiale, explore la manière dont les espaces domestiques portent les traces de l’identité, de la résilience et de la mémoire intergénérationnelle dans un monde en constante mutation.

In Anchored in Time, two brothers sit still in a richly adorned Armenian diasporic home. The lush carpet, a hallmark of cultural pride and continuity, spans half the painting—its presence grounding the figures and evoking heritage across generations. One brother quietly holds a disposable mask, rooting this intimate scene within the historical specificity of the COVID-19 pandemic. This oil painting (36 x 48") explores the layered relationship between domestic space, collective memory, and cultural resilience. It is part of the artist’s Family Archiving series, which reimagines private family moments as visual records of diasporic identity, survival, and inherited belonging.