À partir d’une photographie familiale, Charline Motel explore la mémoire migrante, la nostalgie partagée et les rituels du voyage.

A painting drawn from a family photograph, Charline Motel explores immigrant arrival, shared nostalgia, and the everyday rituals of travel and belonging.

Cette peinture à l’huile de 30 × 40 pouces a été réalisée en réponse à un projet invitant les artistes à s’inspirer d’une œuvre de la collection permanente du Musée des beaux-arts de Montréal. J’ai choisi Simeon the God Receiver de Kehinde Wiley, attirée par la manière dont il inscrit des corps contemporains dans des cadres décoratifs chargés d’histoire.

Dans cet autoportrait, ma figure repose sur un tapis arménien, un objet porteur de mémoire culturelle, de rituels domestiques et de transmission familiale. Le corps semble se fondre dans les motifs du tapis, brouillant la frontière entre la figure et le fond. Cette dissolution évoque à la fois l’appartenance et l’effacement, une tension discrète entre le fait d’être portée par un héritage et celui d’y être absorbée.

L’œuvre s’inscrit dans ma recherche continue autour des archives familiales, de la diaspora et des façons dont l’identité se construit à travers des espaces et des objets hérités. En intégrant mon propre corps au tapis, la peinture devient une méditation sur la visibilité, la mémoire culturelle et la ligne fragile entre l’individu et l’histoire collective.

This 30 × 40 inch oil painting was created in response to a prompt inviting artists to engage with a work from the Montreal Museum of Fine Arts’ permanent collection. I chose Simeon the God Receiver by Kehinde Wiley, drawn to the way Wiley situates contemporary bodies within ornate, historically loaded decorative frameworks.

In this self-portrait, my figure rests on an Armenian carpet, a surface that carries cultural memory, domestic ritual, and lineage. The body appears to melt into the carpet’s patterns, blurring the boundary between figure and ground. This dissolution suggests both belonging and erasure, a quiet tension between being held by heritage and being absorbed by it.

The work reflects my ongoing interest in family archives, diaspora, and the ways identity is shaped through inherited spaces and objects. By embedding my own body within the carpet, the painting becomes a meditation on visibility, cultural memory, and the fragile line between selfhood and collective history.

Beneath the Surface: Psychological Portraits in Domestic Space transforms old family photographs into large-scale paintings that explore unease within the familiar. One of the central images is based on a 1970s photograph of my mother sitting alone beside a deserted motel pool. At first glance, the scene feels calm and still, yet beneath that stillness is something exposed and suspended. That tension lies at the heart of the work.

Beneath the Surface: Psychological Portraits in Domestic Space transforms old family photographs into large-scale paintings that explore unease within the familiar. One of the central images is based on a 1970s photograph of my mother sitting alone beside a deserted motel pool. At first glance, the scene feels calm and still, yet beneath that stillness is something exposed and suspended. That tension lies at the heart of the work.

Sous la surface : portraits psychologiques dans l'espace domestique transforme de vieilles photos de famille en peintures grand format qui explorent le malaise au sein du familier. L'une des images centrales est basée sur une photo de ma mère prise dans les années 1970, assise seule au bord de la piscine déserte d'un motel. À première vue, la scène semble calme et immobile, mais sous cette tranquillité se cache quelque chose d'exposé et de suspendu. Cette tension est au cœur de l'œuvre.

Créé pendant ma résidence estivale de 2025 à la galerie VAV à Montréal, ce projet m'a permis de travailler sur plusieurs grandes peintures à la fois, de dessiner directement sur les murs et de tester comment les œuvres pouvaient cohabiter dans l'espace. Inspiré par des artistes tels que David Hockney, Edward Hopper et Sergei Parajanov, j'explore comment des moments calmes et ordinaires peuvent révéler une profondeur psychologique cachée.

Cette peinture est basée sur une vieille photo de ma mère et de son frère lorsqu'ils étaient enfants. Probablement prise par l'un de leurs parents, la photo est lumineuse et floue, comme un souvenir. En la peignant, j'ai voulu comprendre qui était ma mère avant de la connaître. En tant qu'enfant, ma vision d'elle est façonnée par ce rôle. Mais à travers cette image, j'entrevois une autre facette - joyeuse, enjouée, entière. Cette œuvre fait partie d'une série de deux pièces qui explore la façon dont les photos de famille peuvent révéler des éléments d'une personne qui sont généralement cachés à la génération suivante.

This painting is based on an old photo of my mother and her brother as children. Likely taken by one of their parents, the photo is bright and blurry, like a memory. In painting it, I wanted to understand who my mother was before I knew her. As her child, my view of her is shaped by that role. But through this image, I glimpse another side—joyful, playful, whole. This work is part of a two-piece series that explores how family photos can reveal pieces of a person that are usually hidden from the next generation.

Balthus est une peinture à l'huile de 36 x 48 pouces qui répond aux œuvres controversées de l'artiste Balthus. Ses portraits d'une jeune fille nommée Thérèse ont suscité des questions sur la dynamique du pouvoir dans l'art. Dans cette œuvre, je me place dans l'une de ses poses, mais avec des changements importants. Mon regard est direct, ce qui élimine la passivité de l'original. Ma fille se tient derrière moi, regardant par la fenêtre - curieuse, mais toujours sous ma protection. Un troisième personnage, un homme nu, saute d'un tableau accroché au mur. Ce changement de regard et de sujet perturbe le récit traditionnel et récupère le pouvoir.

Balthus is a 36 x 48-inch oil painting that responds to the controversial works of the artist Balthus. His portraits of a young girl named Thérèse sparked questions about the power dynamics in art. In this piece, I place myself in one of her poses, but with key changes. My gaze is direct, removing the passivity of the original. My daughter stands behind me, looking out the window—curious, yet still under my protection. A third figure, a male nude, leaps from a painting on the wall. This shift in gaze and subject disrupts the traditional narrative and reclaims the power.

This 20 x 20-inch oil painting captures a tender exchange between my daughter and her grandmother. Based on a fleeting, everyday moment, the work embraces a looser, more expressive style that reflects the warmth and intimacy of family. Soft edges, shifting light, and blurred color invite the viewer to feel rather than see — to remember through emotion. In painting the ordinary, I elevate it into something sacred. This piece explores memory, presence, and the invisible thread connecting generations. When memory fades, art holds what we can’t always say: love, loss, and everything that lingers in between.