Cette peinture est basée sur une vieille photo de ma mère et de son frère lorsqu'ils étaient enfants. Probablement prise par l'un de leurs parents, la photo est lumineuse et floue, comme un souvenir. En la peignant, j'ai voulu comprendre qui était ma mère avant de la connaître. En tant qu'enfant, ma vision d'elle est façonnée par ce rôle. Mais à travers cette image, j'entrevois une autre facette - joyeuse, enjouée, entière. Cette œuvre fait partie d'une série de deux pièces qui explore la façon dont les photos de famille peuvent révéler des éléments d'une personne qui sont généralement cachés à la génération suivante.

Balthus est une peinture à l'huile de 36 x 48 pouces qui répond aux œuvres controversées de l'artiste Balthus. Ses portraits d'une jeune fille nommée Thérèse ont suscité des questions sur la dynamique du pouvoir dans l'art. Dans cette œuvre, je me place dans l'une de ses poses, mais avec des changements importants. Mon regard est direct, ce qui élimine la passivité de l'original. Ma fille se tient derrière moi, regardant par la fenêtre - curieuse, mais toujours sous ma protection. Un troisième personnage, un homme nu, saute d'un tableau accroché au mur. Ce changement de regard et de sujet perturbe le récit traditionnel et récupère le pouvoir.

Cette peinture à l'huile de 20 x 20 pouces capture un tendre échange entre ma fille et sa grand-mère. Basée sur un moment éphémère et quotidien, l'œuvre adopte un style plus lâche et plus expressif qui reflète la chaleur et l'intimité de la famille. Les bords doux, la lumière changeante et les couleurs floues invitent le spectateur à ressentir plutôt qu'à voir - à se souvenir à travers l'émotion. En peignant l'ordinaire, je le transforme en quelque chose de sacré. Cette œuvre explore la mémoire, la présence et le fil invisible qui relie les générations. Lorsque la mémoire s'estompe, l'art retient ce que nous ne pouvons pas toujours dire : l'amour, la perte et tout ce qui persiste entre les deux.

BETWEEN THEN AND NOW (30 x 40 », huile sur toile) est basée sur une photographie candide de mes parents datant des années 1970. Cette œuvre, qui fait partie de ma série Family Archiving, explore la façon dont la mémoire, le deuil et l'identité culturelle évoluent avec le temps. Des objets symboliques comme une cafetière, des tasses et des cigarettes deviennent des points d'ancrage de l'amour et de la perte. Grâce à des changements intentionnels de couleur et de composition, je réimagine l'histoire personnelle pour poser la question suivante : qu'est-ce que la vérité dans la mémoire familiale et est-ce que cela a de l'importance ? En tant qu'Arménienne diasporique, cette peinture est un geste de préservation et un pont entre la mémoire héritée et l'avenir.

Dans Ancrés dans le temps, deux frères sont assis dans un salon arménien typique de la diaspora. Un tapis richement orné occupe une grande partie de la toile, symbole de mémoire culturelle et de continuité. Le masque jetable tenu par l’un des frères ancre discrètement la scène dans un moment précis de l’histoire : la pandémie de COVID-19. Cette peinture à l’huile (36 x 48 po), qui fait partie de la série archive familiale, explore la manière dont les espaces domestiques portent les traces de l’identité, de la résilience et de la mémoire intergénérationnelle dans un monde en constante mutation.

En arménien, « կռիւ » signifie lutte, mais se prononce comme grieve en anglais. Ce tableau à l’huile de 48" x 60" est une réponse à la perte de mon père et au poids émotionnel d’avoir été présente dans ses derniers instants. J’ai intentionnellement peint son portrait plus grand que nature, car notre société efface trop souvent les personnes âgées. Cette œuvre impose leur présence. Elle honore un amour qui n’est pas réconfort, mais résistance. Le deuil et la lutte cohabitent ici, dans un témoignage brut et tendre sur ce que signifie porter témoignage de la mort — et rendre la mémoire monumentale.

Bear Witness détourne les codes de la peinture sacrée classique pour confronter l’héritage persistant de la violence sexuelle et genrée. Inspirée du livre Remnants d’Elyse Semerdjian, cette œuvre réinterprète l’usage des corps féminins comme armes de guerre à travers une perspective féministe. En dépouillant les victimes de leur honte imposée, elle restaure leur dignité. Ancrée dans une identité diasporique et un traumatisme intergénérationnel, Bear Witness devient à la fois archive intime et acte collectif de mémoire. Elle invite le spectateur à contempler la douleur, la résilience et la transformation.

Découvrez l'attrait captivant d'une aquarelle à grande échelle représentant une déesse arménienne pré-chrétienne. Cette œuvre d'art saisissante capture l'essence de la spiritualité ancienne et de l'héritage culturel, présentant des détails complexes et des teintes vibrantes qui évoquent un sentiment de mysticisme. Parfaite pour les amateurs d'art et les collectionneurs, cette œuvre est une célébration de la féminité et de la mythologie, apportant une touche de divinité dans votre espace. Rehaussez votre collection avec cet hommage unique à la riche histoire de l'Arménie.

Spandaramet, déesse de la mort et de la mémoire, sort de l'ombre dans une aquarelle envoûtante. Cette aquarelle fait partie de la série de Marie Khediguian qui fait revivre les déesses préchrétiennes de l'Arménie à travers l'art à grande échelle.

Spandaramet, déesse arménienne de la mort, déesse des enfers, mythologie arménienne, art de la mémoire ancestrale, la mort dans l'art, aquarelle à grande échelle, Marie Khediguian, déesse de l'au-delà, renouveau culturel arménien, série sur les déesses.

Elle est la douceur forgée dans le feu. Anoush, mère des dragons, surgit du cœur en fusion du mont Ararat - éternelle, belle et totalement indomptable.

Dans The Barber of Alexandria, l'artiste Marie Khediguian se peint elle-même sur une photo de famille des années 1950, mêlant huile, mémoire et diaspora. Inspirée par le salon de coiffure de son grand-père à Alexandrie, en Égypte, l'œuvre se réapproprie l'héritage arménien par le biais d'un récit intime. Cette œuvre explore la nostalgie, le traumatisme et l'appartenance avec une profondeur émotionnelle et une précision picturale.

La fertilité est une affaire violente et sanglante, loin de la douce féminité qui lui est souvent attribuée. Cette tension est au cœur d'Anahid, la première pièce de ma série qui réimagine les déesses arméniennes de l'époque préchrétienne.

Les couleurs vives se fondent dans une scène magique, où les teintes oniriques et les visages adoucis suscitent la nostalgie et le mystère. Cette peinture, inspirée d'une photographie de mon grand-père avec ses enfants, dont ma mère, capture le jeu de la mémoire et de l'imagination. Agrandie avec un réalisme magique, elle transmet l'essence émotionnelle d'un moment où la clarté est insaisissable mais où la signification règne.